[Σύνοψη]
Οι φωτεινές πισίνες του David Hockney, (9 Ιουλίου 1937 – Bradford England) τα χωριστά σπίτια και τα προαστιακά τοπία της Καλιφόρνιας είναι μια περίεργη ζύμωση της ηρεμίας και της υπερκινητικότητας.
Οι σκιές φαίνονται να έχουν εξορυχθεί από τους ακρυλικούς καμβάδες του της δεκαετίας του 1960, σαν σελίδες περιοδικών. Τα επίπεδα αεροπλάνα υπάρχουν δίπλα σε ένα συνονθύλευμα, μπερδεύοντας την αίσθηση της απόστασης.
Το αδιαμφισβήτητο στυλ του Hockney ενσωματώνει ένα ευρύ φάσμα πηγών από το μπαρόκ έως τον κυβισμό και, πιο πρόσφατα, τα γραφικά του υπολογιστή. Εικονοκλάστης με εμμονή στους Παλαιούς Διδασκάλους, αυτός ο Βρετανός καλλιτέχνης της Ποπ παραβιάζει κάθε κανόνα σκοπίμως, απολαμβάνοντας την αποδόμηση της αναλογίας, της γραμμικής προοπτικής και της θεωρίας των χρωμάτων. Δείχνει ότι οι ορθοδοξίες προορίζονται να θρυμματιστούν και ότι τα αντίθετα μπορούν να συνυπάρξουν, ένα μήνυμα ανοχής που ξεπερνά την τέχνη και έχει βαθιές επιπτώσεις στον πολιτικό και κοινωνικό χώρο.
[Βασικές ιδέες]
- Όπως και άλλοι καλλιτέχνες της Pop, ο Hockney αναβίωσε την εικονιστική ζωγραφική σε στυλ που αναφερόταν στην οπτική γλώσσα της διαφήμισης. Αυτό που τον χωρίζει από τους άλλους στο ποπ κίνημα είναι η εμμονή του με τον κυβισμό. Στο πνεύμα των κυβιστών, ο Hockney συνδυάζει πολλές σκηνές για να δημιουργήσει μια σύνθετη άποψη, επιλέγοντας δύσκολους χώρους, όπως τα σπίτια σε χωριστά επίπεδα στην Καλιφόρνια και το Grand Canyon, όπου η αντίληψη του βάθους είναι ήδη μια πρόκληση.
- Ο Hockney επιμένει στο προσωπικό θέμα – ένα άλλο πράγμα που τον χωρίζει από τους περισσότερους καλλιτέχνες της Pop. Απεικονίζει την εγχώρια σφαίρα – σκηνές από τη δική του ζωή και τη ζωή των φίλων του. Αυτό τον ευθυγραμμίζει με την Alice Neel, τον Alex Katz και άλλους που απεικόνισαν το άμεσο περιβάλλον τους με τρόπο που ξεπερνά μια συγκεκριμένη κατηγορία ή κίνηση.
- Ο Hockney ήταν ανοιχτά ομοφυλόφιλος και παρέμεινε σταθερός συνήγορος για τα δικαιώματα των ομοφυλοφίλων. Στο πλαίσιο μιας σκηνής macho τέχνης που απέρριψε το «όμορφο χρώμα» ως θηλυκό, τα λαμπερά πράσινα, πορφυρά, ροζ και κίτρινα του Hockney είναι δηλωτικές δηλώσεις για την υποστήριξη της σεξουαλικής ελευθερίας.
- Στην ενεργή αναζήτηση του να μιμηθεί τις φωτογραφικές επιδράσεις στο έργο του, ο Hockney είναι πρόδρομος των φωτορεαλιστών. Είναι επίσης αιρετικός ανάμεσα στους καθαρούς που θεωρούν ότι η ζωγραφική πρέπει να βασίζεται μόνο στις άμεσες παρατηρήσεις του καλλιτέχνη από τη φύση. Αν και δεν είναι παγκοσμίως αποδεκτή, η έρευνα του Hockney για την ιστορία της τέχνης έχει δείξει ότι οι Παλαιοί Δάσκαλοι, από το Vermeer έως το Canaletto, χρησιμοποίησαν συχνά την κάμερα obscura (πρώιμη κάμερα) για να ενισχύσουν τα οπτικά εφέ τους. Αν οι σεβαστοί Παλαιοί Δάσκαλοι μπορούσαν να χρησιμοποιήσουν κάμερες, υπονοεί, γιατί εμείς δεν μπορούμε;
[Παιδική ηλικία]
Ένα από τα πέντε παιδιά, ο David Hockney γεννήθηκε σε οικογένεια εργατικής τάξης στο Yorkshire, στη βόρεια Αγγλία, στη βιομηχανική πόλη του Μπράντφορντ. Ο πατέρας του, ένας αντιρρησίας συνείδησης κατά τη διάρκεια του Δευτέρου Παγκοσμίου Πολέμου, «είχε μια καλοσύνη» θυμάται ο Hockney. «Νόμιζε ότι πρέπει να υπάρχει δικαιοσύνη στον κόσμο». Επίσης, είχε ένα ρομαντισμό για τα ιδανικά του Κομμουνιστικού Κόμματος στη Ρωσία. Ενώ υιοθέτησε την αντιπολεμική στάση του πατέρα του, ο Hockney παρέμεινε ανθεκτικός στις ιδεολογίες και τις ιεραρχίες.
Ως μαθητής, ο Hockney λέει για τον εαυτό του: «Ήμουν πάντα αρκετά σοβαρός, αλλά θορυβώδης.» Η τέχνη ήταν κάτι που ήξερε ότι ήθελε να κάνει πολύ νωρίς στη ζωή. Στο σχολείο του, τα ακαδημαϊκά ελπιδοφόρα αγόρια αναγκάστηκαν να αφήσουν την τέχνη ως θέμα και έτσι απέτυχε σκόπιμα τις εξετάσεις του.
[Καλλιτεχνική εκπαίδευση]
Στα 16, ο Hockney έγινε δεκτός στην αναγνωρισμένη σχολή τέχνης του Μπράντφορντ, όπου σπούδασε παραδοσιακή ζωγραφική και ζωγραφική μοντέλου μαζί με τους Norman Stevens, τον David Oxtoby και τον John Loker. Σε αντίθεση με τους περισσότερους συναδέλφους του, ο Hockney ήταν επιμελής και εργάστηκε ακούραστα, ειδικά στις τάξεις σχεδίου, υπενθυμίζοντας: «Ήμουν εκεί από τις εννέα το πρωί έως τις εννέα το βράδυ».
Το 1957 κλήθηκε από την Εθνική Υπηρεσία, αλλά ως αντιρρησίας συνείδησης υπηρέτησε τον χρόνο του σε νοσοκομειακή οργάνωση. Ήταν γύρω από αυτό το διάστημα που ο Hockney συνάντησε το έργο του Ρωσικού μπαλέτου impresario Sergei Diaghilev, του οποίου το άνοιγμα για τη σεξουαλική του ταυτότητα έδωσε στον Hockney το θάρρος να αποκαλύψει τη δική του.
Το 1959, ο Hockney πήγε για σπουδές στο Royal College of Art στο Λονδίνο και διδάχθηκε από διάφορους γνωστούς καλλιτέχνες, όπως ο Roger de Gray και ο Ceri Richards. Οι φίλοι του περιελάμβαναν τον R.B. Kitaj, τον Allen Jones και τον Peter Blake. Εκείνη την εποχή, το κολέγιο ζήτησε από τους μαθητές να υποβάλουν ένα δοκίμιο μαζί με την τελική εργασία τους. Ο Hockney αρνήθηκε, θέλοντας να κριθεί μόνο με βάση την τέχνη του. Είναι αξιοσημείωτο ότι το RCA, ένας προμαχώνας της παράδοσης, άλλαξε τους κανόνες του για να του επιτρέψει να αποφοιτήσει
[Η ώριμη περίοδος]
Η πρώτη προσωπική έκθεση του Hockney, που πραγματοποιήθηκε το 1963 στη γκαλερί του John Kasmin, αποδείχθηκε πολύ επιτυχημένη. Την επόμενη χρονιά ταξίδεψε για πρώτη φορά στο Λος Άντζελες, όπου συναντήθηκε με κορυφαίες πνευματικές και καλλιτεχνικές φιγούρες όπως ο Christopher Isherwood και ο σχεδιαστής Ossie Clarke, με τους οποίους έφτιαξε μια στενή φιλία και αργότερα ταξίδεψε στο Grand Canyon. Θα ήταν αργότερα ο κουμπάρος στο γάμο του Clarke με την Celia Birtwell, από την οποία θα ζωγραφίσει και θα σχεδιάσει πολλά πορτρέτα. Κατά τα επόμενα χρόνια κατοικούσε σχεδόν μόνιμα στην Καλιφόρνια, διδάσκει σε διάφορα πανεπιστήμια, μεταξύ των οποίων το Berkeley και το UCLA, αλλά ταξιδεύει εκτενώς στις ΗΠΑ και την Ευρώπη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ζωγράφισε μερικά από τα πιο γνωστά έργα του, συμπεριλαμβανομένου του A Bigger Splash (1967). Ξεκίνησε επίσης να σχεδιάζει παραγωγές για το μπαλέτο, την όπερα και το θέατρο.
Στην Καλιφόρνια κατά τη διάρκεια της «ταλαντευόμενης δεκαετίας του ’60, ο Hockney αγκάλιασε τη διάθεση του πειραματισμού, της εξερεύνησης και του εικονοκλαστισμού. Σε μια εποχή κατά την οποία η ομοφυλοφιλία εξακολουθούσε να είναι παράνομη στις Η.Π.Α. και τη Βρετανία, οι ανοιχτές ερωτικές σχέσεις και η αντί-απολογητική συμπεριφορά του Hockney προσελκύουν την προσοχή εφημερίδων και περιοδικών. Συναντήθηκε και άρχισε μια μακροχρόνια σχέση με τον Peter Schlesinger, ο οποίος συχνά συμπεριφερόταν ως το μοντέλο του, μια σχέση που διήρκεσε από το 1966 ως το 1971.
Από τον ασυνήθιστο τρόπο ζωής και τον πειραματισμό με τα ναρκωτικά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Hockney σχολίασε: «Δεν μπορείτε να έχετε μια μποέμ χωρίς καπνό. Δεν μπορείτε να έχετε μια μποέμ χωρίς ναρκωτικά”.
Το 1973, ο Hockney μετακόμισε στο Παρίσι, όπου έζησε μέχρι το 1975. Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1970 ήταν διάσημος. Το 1974 είδε μια μεγάλη αναδρομική έκθεση του έργου του και μια ταινία γι’ αυτόν σε σκηνοθεσία του Jack Hazan. Το 1976 ο Hockney δημοσίευσε την αυτοβιογραφία του και το 1978 εγκαταστάθηκε στο Λος Άντζελες, το οποίο έγινε μόνιμη κατοικία του.
Η κρίση του AIDS της δεκαετίας του 1980 άλλαξε τον κόσμο της τέχνης για πάντα και είχε ιδιαίτερα βαθιά επίδραση στον Hockney ο οποίος θυμάται ότι «Ο πρώτος που πέθανε από το AIDS που γνώριζα ήταν το 1983 και στη συνέχεια για δέκα χρόνια ήταν πολλοί άνθρωποι. Αυτοί οι άνθρωποι αν ήταν ακόμα εδώ, νομίζω ότι θα ήταν διαφορετικό μέρος.»
Μια αναδρομική έκθεση του έργου του Hockney που έπρεπε να πραγματοποιηθεί στη γκαλερί Tate του Λονδίνου το 1988 απειλούσε να την ακυρώσει σε ένδειξη διαμαρτυρίας για την αντί-ομοφυλοφιλική νομοθεσία που προτάθηκε στη Βρετανία την εποχή εκείνη.
[Ύστερη περίοδος]
Η δεκαετία του 1990 αποτελούσε μια πολύ παραγωγική περίοδο για την Hockney, με τεράστιο αριθμό εκθέσεων αναδρομικών και μη σε όλο τον κόσμο. Το 1991 ξεκίνησε μια σχέση με τον John Fitzherbert, πρώην σεφ, η οποία διήρκεσε τα επόμενα 25 χρόνια.
Ένα από τα σημαντικότερα μεγάλα έργα του, A Closer Grand Canyon, ολοκληρώθηκε το 1998. Από το 2000-01 διερεύνησε και έγραψε ένα βιβλίο για τους Παλαιούς Δασκάλους, αναπτύσσοντας μια θεωρία ότι αυτοί οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν την κάμερα πολύ νωρίτερα από ότι νομίζαμε. Για την έρευνά του, ο Hockney συγκέντρωσε φωτοτυπίες παλαιότερων ζωγραφικών έργων, από την βυζαντινή τέχνη μέχρι τον Βαν Γκογκ, πάνω σε ένα τεράστιο τείχος στο στούντιο του στο LA.
Ενώ η θεωρία του Hockney συνάντησε σημαντική αντίσταση, έχει αποκτήσει ευρεία υποστήριξη από την κοινότητα της ιστορίας της τέχνης. Το 2002, ο Hockney μετακόμισε στην παραθαλάσσια πόλη Bridlington του Yorkshire. Την ίδια χρονιά, κάθισε για 120 ώρες για ένα πορτρέτο ζωγραφισμένο από τον Lucian Freud. Σε αντάλλαγμα, ο Freud κάθισε τέσσερις ώρες γι ‘αυτόν.
Ο Χόκνεϊ είχε ένα εγκεφαλικό επεισόδιο το 2012, το οποίο για λίγο υποχώρησε την ομιλία του. Προς μεγάλη ανακούφιση του είπε, «το εγκεφαλικό επεισόδιο δεν επηρέασε το σχέδιο μου, και αυτό είναι το πιο σημαντικό πράγμα».
[Κληρονομιά]
Το 2011 μια δημοσκόπηση βρετανών μαθητών των καλλιτεχνικών σπουδών βαθμολόγησε τον Hockney ως τον σημαντικότερο καλλιτέχνη όλων των εποχών. Το έργο του έχει διαδραματίσει καθοριστικό ρόλο στην αναβίωση της εικονιστικής ζωγραφικής. Ο Chuck Close, ο Cecily Brown και ο σκηνοθέτης Martin Scorsese (ειδικά η αισθητική του Taxi Driver (1976)) είναι μεταξύ των καλλιτεχνών που εμπνέονται από τον Hockney. Ο Hockney, είναι ακόμα παραγωγικός, και συνεχίζει να ανακαλύπτει τον εαυτό του, αγκαλιάζοντας τη σύγχρονη τεχνολογία. Η πιο πρόσφατη σειρά έργων του παρήχθη σε ένα iPad.
Παρά την ευρέως διαδεδομένη φήμη του, παραμένει εικονοκλαστικός, αρνείται να δεχθεί την όποια θεσμική εξουσία, ακόμα και μερικές από τις υψηλότερες τιμές, απορρίπτοντας μια πρόσκληση να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο της Βασίλισσας (ο Hockney ήταν «πολύ απασχολημένος» και δεν μπορούσε να το κάνει) Και το Τάγμα της Αξίας (Ιππότης). «Δεν έχω έντονα συναισθήματα για το σύστημα Τιμών (επιβραβεύσεων)”, τόνισε ο Hockney, «δεν εκτιμώ τα βραβεία οποιουδήποτε είδους, εκτιμώ τους φίλους μου».
Πηγές:
APODYOPTES 